EL POP ART Y LA PUBLICIDAD

“El pop art es un arte publicitario que se publicita como arte que odia la publicidad”. Harold Rosenberg, crítico de arte estadounidense.

Pop Art es la abreviatura de popular art. Su origen fue Londres a principios de 1950, en la que la nueva visión de Hamilton o Paolozzi acerca las bellas artes a las artes populares y gráficas.
En Nueva York pronto es absorbido y dinamizado, creando una manifestación plástica de la cultura del consumo donde las obras de arte se concebirán como un producto en serie, como Rauschenber o Warhol. es un fenómeno cultural occidental, nacido bajo el capitalismo.

El pop art comenzó como rechazo al expresionismo abstracto, y movimientos excesivamente intelectuales mientras el pop art se inspira en la vida urbana, el cómic, los anuncios publicitarios, el diseño de carteles y los elementos de la sociedad de consumo, como los alimentos enlatados.

La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. De este modo, delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn Monroe, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly… para que el artista dejase constancia de su paso por la modernidad.

Asimismo, colores puros, brillantes, fluorescentes, provocación, la utilización de materiales como la gomaespuma y una constante provocación llena de humor son algunas de sus características .

Así como el Pop Art en un inicio tomó aspectos de la publicidad, hoy en día, los diseñadores hacen uso de esta corriente artística para imprimirla dentro de los anuncios, ya sea por el gusto a sus características o porque pretenden hacerlos distintivos.

campbell

Share

EL CONSTRUCTIVISMO RUSO Y EL ORIGEN DE LA PROPAGANDA POLITICA

La activa vida cultural de Moscú y San Petersburgo desde 1850 irradió a los países de la Europa occidental. Mecenas generosos fomentaban las artes, formaban colecciones privadas de arte ruso y financiaban exposiciones. Se daba a conocer al público ruso el arte occidental de la época a través de exposiciones y revistas progresistas. Influidos por el cubismo hispano francés, la Neue Künstlervereinigung muniquesa y el futurismo italiano, jóvenes artistas introdujeron la pintura cubo-futurista, caracterizada por sus líneas y colores ajenos a toda representación objetiva y expresivamente fauvistas.

Vladimir Tatlin (1885-1953) se atuvo en sus obras a la formulación de Cézanne: “No hay líneas, no hay modelados; sólo hay contrastes. Si el color es rico, la forma es plena.” Tatlin intentó representar no un espacio pictórico, sino el espacio real. En el invierno de 1913-1914 produjo su primer relieve. Sus relieves de esquinas (1914- 1915) concretizaban una nueva forma espacial hecha de superficies que penetraban en el espacio dividiéndolo.

Los artistas progresistas participaron con entusiasmo en la Revolución de 1917, poniéndose al servicio del aparato de propaganda con el deseo de cambiar el mundo desde su condición de diseñadores modernos. Durante los cuatro años que duró la reorganización de la vida rusa desde la militancia política, se reformaron las escuelas de arte de todo el país, se edificaron museos y se organizaron festivales políticos con la colaboración de pintores, actores, escritores y compositores. Tatlin diseñó en 1919 su dinámico “Monumento a la III Internacional”.

En 1918 se nombra a Chagall director de la Academia de Arte de Vitebsk, y se encarga a El Lissitzky la dirección del departamento de arquitectura y artes. En 1920, este último diseñó las ilustraciones para el libro infantil Historia de dos cuadrados. Las leyendas escuetas en renglones horizontales, ascendentes y descendentes rítmicamente apoyados por líneas acusaban la influencia suprematista.El cartel político de El Lissitzky con el título “Batid a los blancos con la cuña roja” fue otro trabajo precursor: triángulos y líneas de color rojo y aspecto agresivo que en direcciones de ataque variables hacen retroceder a la figura de la parte derecha del cartel: un gran círculo blanco sobre una superficie negra. Esta composición, hecha con medios tipográficos y gráficos muy sencillos, no ha perdido hoy nada de su fuerza expresiva original.

En colaboración con los talleres, los artistas organizaron exposiciones y diseñaron insignias carteles, transparencias, sellos y útiles para los recién creados clubes obreros, en su mayoría sobre una base geométrica. El pabellón que diseñó Melnikov para la Exposición Universal de Artes Decorativas de París, en 1925, sorprendió al público por sus proporciones estrictamente geométricas; y lo mismo las obras cubistas allí expuestas.

construcivismo por eXtremeño
Otros trabajos precursores en el campo de la tipografía y el cartelismo aparte de los de El Lissitzky, fueron los de Rodchenko, Kluzis y Alexei Gan. Rodchenko y Lissitzky ilustraron casi todas las primeras ediciones del poeta Mayakovski. Los primeros fotomontajes de Rodchenko fueron para los poemas “Sobre esto”. Lissitzky realizó un trabajo tipográfico ingenioso y humorístico para la colección de poemas titulada “Para leer en voz alta”.

De 1923 a 1925, el órgano de los constructivistas fue la revista LEF, y de 1927 a 1928 NOVYI LEF. En ella colaboraron conjunta y estrechamente Mayakovski y Rodchenko. Sus diseños consistían en fotomontajes y tipografías integradas en sus líneas predominantemente horizontales, con tipos cuidadosamente construidos y acentuación futurista de lo mecánico. Los trabajos de El Lissitzky, en cambio, se basaban en síntesis de principios constructivistas y suprematistas. Diagonales asimétricas y dinámicas determinaban la estructura del diseño. Los fotomontajes de Rodchenko, Lissitzky y Kluzis testimoniaban su compromiso político y su pensamiento analítico. En los diseños de prospectos que realizó Rodchenko se perfilaba ya la disposición limpia y clara en columnas de las cornposiciones tipográficas y fotográficas. Las fotografías se insertaban en las columnas de texto, y los titulares y encabezados se destacaban por el contraste entre el blanco y el negro.

Lissitzky e lIya Ehrenburg abandonaron Rusia en 1921, trasladándose a Alemania. Allí fundaron la revista multilingüe Weschtsch/Gegenstand Objekt, en la que informaban a los lectores de los acontecimientos artísticos en Rusia y de las modernas tendencias en Europa occidental (Esprit Nouveau, De Stijl). A través de su actividad en Alemania, Holanda, Suiza y Francia, Lissitzky entró en contacto con muchos artistas progresistas; este contacto fue decisivo en el desarrollo de la comunicación visual de Occidente.

 

Share

SAUL BASS, UN GENIO DEL DISEÑO

Saul Bass nació en el Bronx (EEUU), en 1920. Estudió en el “Artes League” en Nueva York, y después en el Colegio de Brooklyn con Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso.

Después de trabajar en varias agencias de diseño de Nueva York, Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico . Se mudó a Los Ángeles en 1946, donde abrió su propio estudio en 1950, dedicado inicialmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película Carmen Jones (1954). A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que diseñara también la secuencia de los títulos de la película. Pronto se especializó en el diseño de títulos de películas, como The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La tentación vive arriba) de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro), en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas.

Colaboró con Alfred Hitchcock en Psicosis como responsable del story board de la escena de la ducha, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Junto con su segunda esposa, Elaine (1961–1996), diseñó títulos para otros directores. Luego dirigió varios cortometrajes, como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968) con la que ganó un Óscar. Finalmente realizó una película como director en 1974, llamada Phase IV.

Regresó al diseño gráfico comercial, creando los logotipos para AT&T, United Airlines, Minolta, Bell, y Warner Communications. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

Como cartelista de cine trabajó para Alfred Hitchcock, Otto Preminger, Billy Wilder, Stanley Kubrick y más tarde para Martin Scorsese.

Share

DE STIJL, LA ULTIMA VANGUARDIA DEL DISEÑO

El último verano en Holanda de 1917, marcó la formación del movimiento y del periódico De Stijl. Piet Mondrian, Bart van der Lek y el arquitecto J.J.P. Oud se unieron a Théo van Doesburg, fundador y guía espiritual de este grupo.
Van der Lech parece haber sido el primero en pintar figuras geométricas planas de color puro, además antes de formar parte de este grupo, ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas.
Para entonces, Mondrian había reducido su vocabulario visual a la utilización de los colores primarios (rojo, amarillo y azul) con blanco y negro, en tanto las figuras y las formas quedaron limitadas a líneas rectas, cuadrados y rectángulos. Empleando estos medios tan limitados, Mondrian construyó composiciones de un balance simétrico sublime, en las cuales la tensión y el balance de los elementos alcanzaron una absoluta armonía.
El restringido vocabulario visual de los artistas De Stijl permitió buscar a los artistas una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza.
Profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo, deseaban “expresar la conciencia general de su época”. Ellos creían que la Guerra Mundial estaba arrasando con una vieja época. Los adelantos científicos, tecnológicos y políticos anunciaban una nueva era de objetividad y colectivismo.
De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales.

destilj

destilj

Share

EL DISEÑO GRÁFICO DE LA BAUHAUS

En el campo del diseño, la Bauhaus, sin duda representa uno de los puntos más altos alcanzados en investigación de esta disciplina durante el siglo 20, que ha tenido una influencia absoluta en la historia del diseño.

Las principales características del diseño gráfico de la Bauhaus son los impresos sin adornos, la articulación y acentuación de páginas con símbolos distintos o de elementos tipográficos destacados en colores planos, y la información directa, sin adornos, en una combinación de texto y fotografía, para la cual el nombre “Tipofoto” fue creado. Tipografía es la comunicación compuesta con tipos, fotografía es la representación visual de lo que puede ser capturado ópticamente, “tipofoto” es la representación visual más exacta de la comunicación.

En la Bauhaus se busca la sistematización tipográfica. Importa enfatizar la claridad, pues la legibilidad debe quedar por encima de la estética.

En la primera etapa de la Bauhaus como escuela, de 1919 hasta el 23, predomina la vanguardia alemana expresionista, a partir de 1923 por el Neoplasticismo holandés y el Constructivismo ruso. En esta etapa el húngaro Lazlo Moholy Nagy, busca superar lo pictórico del expresionismo por el énfasis en la experiencia de lo sistemático y el uso de los materiales y objetos seriados de posible uso industrial.

Profesores como Josef Albers, Moholy-Nagy, Herbert Bayer y Joost Schmidt desarrollaron la idea de una “nueva tipografía”, tanto en lo referente al diseño de las letras (con miras al “monoalphabet” previsto por Portsmann, como en el caso de la Universal de Bayer de 1926) como el de la comunicación gráfica a través de material impreso.

Si bien aquí nos hemos centrado en el diseño gráfico la Bauhaus tuvo repercusiones en disciplinas tan dispares como la arquitectura o el diseño industrial, teniendo como máxima común el pragmatismo para un uso racional.

Share

LA EDAD DE ORO DE LA PUBLICIDAD

LAS DÉCADAS DE LOS AÑOS 50 Y 60 DEL SIGLO XX SON CONOCIDAS COMO “LA EDAD DE ORO DE LA PUBLICIDAD”.

El “boom” de la publicidad fue dado en las décadas de los años 50 y 60, exactamente en las agencias de publicidad de Madison Avenue en Estados Unidos. A esta época donde la publicidad se convierte en una actividad profesional se le conoce como “La edad de oro de la publicidad”. Fue además, en estos años, donde se forja la importancia de una estrategia creativa de diferenciación para conseguir el éxito de una marca, es decir, el valor de comunicar de forma creativa y de buscar la diferenciación.

A partir de estos años la publicidad pasó de la era de la información a convertirse en una industria de persuasión cuyo objetivo principal era la venta del producto. Los anuncios publicitarios de los años 50 se concentraban en las características de los productos y sus beneficios, por ello, la importancia del texto en la publicidad. Poco a poco, el resto de marcas empezaron a invadir el mercado generando una competencia en la que combinaban imágenes y esloganLa creatividad llega a la publicidad como signo de diferenciación frente a la competencia.

publicidad 50s EXTREMEÑO

En esta década resaltamos la figura del publicitario Bill Bernbach, utilizaba el humor para conseguir un vínculo entre el consumidor y el producto. Pero no podemos sólo destacar la imaginería publicitaria, ya que sería una imagen poco fiel a la realidad social y política de la época. Únicamente se veían hombres y mujeres de raza blanca en los medios de comunicación, ¿dónde están los negros, los latinos y los asiáticos?

Por otro lado, está la figura de la mujer que se convierte en el elemento fundamental en la publicidad. Al tratarla como objetos en lugar de sujetos, se explotó la sexualidad del icono femenino en los anuncios dando lugar a un mundo sexista. Bien porque aparece el cuerpo femenino o bien porque encarna el papel de esposa perfecta y mujer modelo. La edad de oro de la publicidad está cargada de anuncios elegantes y sofisticados que provocan el aumento del consumismo.

Whisky, tabaco y mujeres giraban en torno a la creatividad publicitaria de aquella época con la que despertaban sensualidad en los consumidores. Destacar también la publicidad de la industria tabacalera en la que se alababan las virtudes del tabaco utilizando a personajes famosos y personas de confianza como médicos o dentistas. Los beneficios del tabaco eran infinitos: adelgazar, deporte, salud. En definitiva, prolongaban tu vida.

publicidad 50s EXTREMEÑO

Share
 

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies